在整个绘画世界中，无论是素描还是油画的描述都是获得视觉艺术最基本的一种手段。人们最早的绘画作品出现在法国和西班牙洞窟中勾勒的动物线条，这些线条与视觉的直观无关，而与某种精神世界相联系。到后来出现明确形象的，并结合着结构图案创造的画面也是如此。甚至某些非常复杂精致的二度空间艺术形式中的形象都属于这范围，画面一般被具体化了，不再是含糊不清的背景了，但是在西方人观念中这并不是背景。在古埃及画面经常覆盖着象形文字，在中国是刻写铭文。加上色彩来点缀图像，勾勒线条和区分它们的各部分。

　　在欧洲是16世纪，色彩被作为绘画的表现形式，而不用线条勾勒轮廓。在西方，绘画技巧采用的是特殊的欧洲绘画观念的反应。它结合着透视的发展，从单一视点表现空间中的各个物体;或采用阴影的明暗技法来塑造形象的空间感;用微妙的色调层次表现距离和物体的固有色与物体上反光色之间的细微变化。它们导致独特的西方艺术形式的出现--架上绘画--画在画布上，并挂在墙上，欣赏其技巧，也就是被捕获和传达的视觉世界，还包括色彩的和谐和对比，笔触的柔美和雄壮，构图的单纯和复杂。这种绘画中的写实主义形式的发展成为16世纪到19世纪艺术史中的中心议题，它与文艺复兴崇拜的“美”是一致的，同时它们也控制着西方艺术的实践和原理。这就导致了一种逐渐获得成功的感觉的产生--画家朝着视觉真实感的目的靠近--只是到了19世纪才被艺术家们看作是严重的问题。同时，作为主要艺术形式的架上绘画在西方的出现，在艺术家、艺术作品和公众之间的关系上产生了明显的影响。原来架上绘画不是为放在一个特定场所而画的，而现在却成为室内陈设，或者艺术画廊中的展览品。毕加索说:“画钩是绘画的祸根，”绘制一幅绘画作品，为的就是尽快被买来挂在墙上，它变成一种装饰形式。

　　艺术史的某些方面是可以与文学史相比拟的。两者都有延续性和变化，而发展却不同。在文学和艺术上不断出现杰作，这些杰作超越了各种限止，脱离了作者的创作意图，有时甚至与其目的是相矛盾的。不管怎样，艺术史完全依靠现存的物质对象，甚至依靠当代机械制作的作品。诚然，艺术史比文学史的时间长得多。很多年来，我们只有通过视觉艺术作品了解到人类的各种欲望和追求。伟大的艺术品不仅仅是美学欣赏，也是人类技艺和聪明才智的结晶。它帮助我们开拓和理解我们人类自身的天性，艺术史是人类发展的最基本的一部分。辉煌的文艺复兴时期

　　文艺复兴时期简介：文艺复兴时期是指14世纪到16世纪西欧与中欧国家在文化艺术发展史中的一个重要历史时期。它是继古希腊、罗马后的欧洲文化史上的第二个高峰。“文艺复兴”的原意是“在古典规范的影响下，艺术与文学的复兴”。其变化的基础就是思想基础关怀人、尊重人，以人为本的世界观。这个世界观是在14世纪通过一系列科学家、思想家和文学家重新对古代文艺的发掘而得以建立的。当时的人们从古文献中发现了对自然和人体价值的重视，使他们对人和自然做出了新的评价。实际上，文艺复兴作为欧洲历史上的一个伟大的转折点，其含义还要宽广的多。人文主义的出现肯定了人是生活的创造者或主人，他们要求文学艺术表现人的思想和感情，科学为人生谋福利，教育发展人的个性，要把思想、感情、智慧都从神权的束缚中解放出来，提倡个性自由以反对人身依附。文艺复兴时期的美术就是在这个基础上发展起来的。

　　意大利早期文艺复兴时期：在15世纪前四分之三左右的岁月中，意大利早期文艺复兴的美术家，摆脱了中世纪的规范，借助理性和科学的知识，力图在美术创作上开拓出新局面，使生动的形象和场景反映在美术作品中，让它成为一种再现性的美术。在绘画领域中，他们进行探索，尽力让二维平面具有三维空间感，并使人物活动立体化，从而实现古希腊人追求过的那种错觉性效果，让人们把美术品当成真实生活的写照，当成可感、可融、可知的事物。这种实践，从佛罗伦萨开始，渐渐在意大利各地展开。体现着新的精神，适应了时代的要求，为盛期文艺复兴的到来，铺平了道路。

　　佛罗伦萨早期文艺复兴美术通过以下的代表人物及作品可以看到佛罗伦萨早期文艺复兴美术的特点：

　　乔托：(Ciotto，约1266～1337)意大利文艺复兴时代画家，佛罗伦萨画派的创始人，也是意大利文艺复兴艺术的伟大的先驱者之一。生于佛罗伦萨的韦斯皮尼亚诺，卒于佛罗伦萨。早年随奇马布埃学画，并在罗马、帕多瓦、那不勒斯等地作画。最能反映其艺术成就的是1305～1309年间创作的阿雷纳礼拜堂壁画。壁画内容是圣母和基督生平。南北墙面上安排上下3列，每列6幅，加上祭台两边各一幅，共38幅，采取连环组画形式，依次表现故事情节。整个壁画充满生活气息。画面采取平视角度，人物排列有序，加强了空间深远关系和人物主体形象的表现 ，是现实生活的真实写照。最杰出的画幅是《最后审判》、《金门相会》、《犹大之吻》、《哀悼基督》等。这些作品摆脱了中世纪圣像画的程式，传述了人文主义的新精神。对14世纪意大利文艺复兴美术影响极大。但丁在《神曲》中曾对他热情称颂。受到著名画家马萨乔、达?芬奇和米开朗琪罗等人的推崇。

　　基布尔提：基布尔提(Lorenzo Ghiberti，1378--1455)是一位体现了从哥特式美术向文艺复兴美术过渡的人物。他具有较为广泛的才能，创作活动涉及不同领域，但最大的成就，还是在雕塑领域。代表作品有《天堂之门》(1424--1452)是为佛罗伦萨洗礼堂大门完成的青铜浮雕。借鉴绘画手法，利用高低不同的凸起，细腻地塑造着一个个人物的形体和面目;利用透视手段来再现人物的位置、空间环境的深度。在人物动作和衣纹的处理上，仍然保留了一些国际哥特式的优美风格。

　　布鲁内莱斯基：布鲁内莱斯基：(Fillippo Brune lleschi,1377--1446)在开创新道路、新风格方面，做出了更大贡献。他是位多才多艺的人物，最初他从事雕塑和金银工艺制品的创作，是文艺复兴建筑艺术的伟大代表之一。他创造性地把古罗马建筑形式与哥特式结构融汇在一起。架在鼓形座上的教堂窜窿清晰地突出在空中，庄重、轻快、优美，具有强烈的视觉感染力。布鲁涅列斯齐希望使建筑设计建立在数学这门科学的基础上，把比例和谐视为古典建筑的本质。他利用古典建筑语汇获得了明快、单纯、优美、和谐的效果，使建筑具有一种理性的美。他对绘画发展做出了不可估量的贡献。他在线透视方面的研究成果，给新的绘画创作提供了科学依据。借助线透视制造真实空间的错觉，是意大利文艺复兴画家的重大抱负和杰出成就。

　　多纳太罗：多纳太罗(Donatello,1386--1466)是意大利早期文艺复兴第一代美术家，也是15世纪最杰出的雕塑家，对古典美术的推崇和借鉴，可以说是文艺复兴意大利美术家的共同特点。多纳太罗在其一生中，创作了大量生气盎然、庄重从容的雕塑作品。代表作品： 《大卫》(约1430--1432)是第一件复兴了古代裸体雕像传统的作品。多纳太罗运用古希腊人创立的“对应”构图方式，向人们展现一位形体比例和结构都十分准确的少年形象。这位圣经人物不再是概念性的象征，而是一个活灵活现、有血有肉的生命。《圣乔治像》(1415--1417)、《加塔梅拉达骑马像》(1445-1450)。

　　马萨乔：马萨乔(Masaccio,1401--1428?)是在文艺复兴绘画发展历程中是一位影响重大的关键人物。在他的创作中，彻底摆脱了晚期哥特式绘画的优雅风格和装饰意味，把塑造真实形象和真实空间摆在了首位。代表作品：《出乐园》、《纳税钱》(1425--1428)。《纳税钱》是一幅描绘宗教主题的大型壁画(当时壁画在意大利是十分流行的绘画样式)。不同人物、不同场景，都显得十分真实，富于体积感。人物各自的神态和动作都是从表现他们之间的不同关系和心理状态出发来刻画的。在那些合乎线透视法则的建筑和自然环境中，人物位于各自的位置上，就像生活的真实场面一样。这儿丝毫没有那种强调画面装饰性的安排、追求优美的线条和色彩的国际哥特式绘画的影子，饱满的人物形体也许有点儿笨拙，但却非常实在，直线性的造型节律，加强着壁画的纪念性。真实而有气势，正是马萨乔艺术的特色。

　　阿尔伯蒂：著名的人文主义者阿尔伯蒂(Leon Battista Alberti,1404--1472)学识渊博，是个典型的“全才”，他非常重视数学这门科学对美术的作用。关心理论问题，不把美术视为纯粹的技艺，而是把它当成智慧的体现，这种态度是文艺复兴时期美术家的普遍态度，他写下了有关绘画、雕塑、建筑的著作，发表于1485年的《建筑十书》对文艺复兴建筑发展产生过相当大的影响。 对方与圆等几何形的偏爱，可以说是这个时代和他本人艺术的特点。

　　波提切利：波提切利(Sandro Botticelli 1445-1510 )是15世纪佛罗伦萨画派最后一位画家，出生在佛罗伦萨一个皮革工匠之家。少年时的他非常顽皮，不思学业，父亲只得把他送到一间金银作坊里学艺。不久，他喜欢上了绘画，菲利普?利比收他为徒。他的绘画天赋很快引起佛罗伦萨银行家梅迪奇的注意，不久便成为梅迪奇家族最宠爱的画师。在梅迪奇家族，他广交文学艺术界名流，接触到各方面的知识，从而开阔了眼界，并为他的艺术打下精雕细琢、富丽堂皇、华美多采的贵族印记。1477年，波提切利以诗人波利蒂安歌颂爱神维纳斯的长诗为主题，为罗伦左新购置的别墅绘制了著名的《春》。1485年，他又创作了一幅精美绝伦的巨作，《维纳斯的诞生》。波提切利同时还接受教会的定单，为教堂作壁画;也曾为《神曲》作了一套出色的钢笔画插画。1492年罗伦左去世，梅迪奇家族被放逐，社会政治形势多变。贵族复辟，人民处于水深火热之中。波提切利的心被震动了，他的人生观和艺术观发生了一次重大变化。在《诽谤》这幅画中，表达了他的愤怒和抗议。波提切利以他那富有诗意的、充满优美曲线的、别具一格的和不可思议的天才作品，成为那个时期佛罗伦萨最伟大的艺术家。